TUTTIFRUTTI: 2016

28/4/16

18/3/16

AUTORRETRATOS FEMENINOS

Notas de la charla de Àngeles Caso en el BBAA de Asturias. Las fotos y textos de Internet.

"Manos" Cueva del castillo en Cantabria.

El tamaño de las manos indica que ya había pintoras en la prehistoria

GUDA,monja ilustradora de códices en el S.XII, se autorretrata dentro de la letra D.Y alrededor del retrato escribió:"Guda, una pecadora escribió y pintò este libro"

SOFONISBA ANGUISSOLA,pintora de Felipe II

En Autorretrato con caballete la veremos pintando un cuadro en un atril. En sus manos sostiene un pincel y una vara mientras retrata una imagen de la madonna con su hijo. Para pintar, la artista se viste cómodamente y se recoge el cabello. Anguissola aparece con una expresión cansada y triste, lo que se encuentra en contraste con la idealización del estilo renacentista. Esta pintura, en cambio, parece espontánea y real. Es curioso que, en el autorretrato, la artista se encuentre pintando un motivo religioso: estos constituyeron solo un pequeña parte de su obra y, al día de hoy, solo conocemos 5 cuadros de este estilo que son atribuibles a ella.

Artemisia Gentileschi (1593-1652)

Nació en Roma, Italia. Pintora del Barroco, artista femenina precoz de gran importancia a principios de la era moderna europea, dedicada a los retratos, obras bíblicas y alegorías.
En esa época la mujer era discriminada del arte por sus pares varones, pero el hecho de ser hija de un pintor (Orazio Gentileschi), le permitió conocer a El Caravaggio, de quien adoptó el estilo claroscuro.
A sus 20 años contrae matrimonio y va a vivir a Florencia donde con la ayuda de su mecenas (familia Medicis), logra alcanzar una buena posición dentro del círculo de pintores.
También realizó trabajos en Génova y Venecia donde conoció al gran maestro belga Anthony van Dyck.
Gentileschi fue invitada a trabajar por 3 años en la corte del rey Carlos I de Inglaterra, lugar que permaneció hasta la muerte del monarca

JUDITH LEYSTER S.XVII
Este retrato es toda una declaración de intenciones, la carta de presentación que utilizó para que la admitiesen en el Gremio de San Lucas. Aparte de demostrarnos que es una retratista excepcional, Judith Leyster nos está diciendo que su verdadera especialidad es la pintura de género. Parece que en un primer momento, lo que estaba pintando en el lienzo era su propia cara (un autorretrato dentro del autorretrato), pero luego cambió de idea y pintó a este violinista para demostrar lo versátil que era. El gesto sonriente de la artista y su postura relajada, con el codo apoyado en el respaldo de la silla, transmiten confianza y seguridad en sí misma, y la gran cantidad de pinceles que sujeta en la mano indican que domina perfectamente el oficio. El que vaya vestida de forma tan elegante no significa que habitualmente trabajase así (no tendría lógica). Lo hace para reclamar su estatus como artista, dejando claro a todo el mundo que la pintura era un arte liberal (intelectual) que no tenía nada que ver con la artesanía.

CLARA PEETERS Amberes

Clara Peeters se especializó en bodegones. Peces, piezas de caza, objetos de cocina, flores, aparecen bellamente dispuestos en sus lienzos que formaron parte de importantes colecciones como la de la reina Isabel de Farnesio y que en la actualidad se exponen en grandes pinacotecas como el Museo del Prado. Uno de los rasgos distintivos de su trabajo fue incluir en el reflejo de los objetos de metal pintados, su propio autorretrato

ANNA DOROTHEA LISIEWSKA (1721-1782) alemana-prusiana

Novia de Diderot. Pintora de Federico II de Prusia y Catalina ,la Grande.

Lisiewska, no siendo bella y siendo orgullosa y trabajadora infatigable (y estando sola seguramente) parece que no quiso congraciarse con el “establishment” artístico parisino y se fue, en 1768, de París a Holanda dejando deudas. A Diderot le confirmó lo que había dicho de ella en carta privada a S. Vollard: “no le falta el talento para crear sensación en este país, sino la juventud, la belleza, la humildad, la coquetería; la mujer debe extasiarse ante los méritos de nuestros artistas, tomar lecciones de ellos, tener un buen pecho y nalgas y concederse a sus maestros”. No se puede ser más descarnado

La actitud de relajada intimidad es posible por representar una partida de caza pero en el cuadro hay también una alusión amorosa en las palomas que están en el ángulo superior izquierdo, un cuadro de auténtico rococó. Se conservan más de 30 obras suyas.

ADELAÍDE LABILLE-GUIARD Paris

Pintora de las tìas de Luis XVI.

ELISABETH VIGÈE-LEBRUN.Pintora de Mº Antonieta

Vigee, cercana al ideal roussoniano de familia, se pinta a sí misma como Mater amantisima en un nuevo autorretrato, considerado italianizante (se juzga que inspirado en la 'Virgen de la Silla' de Rafael) en que se pinta a sí misma abrazando tiernamente a su única hija, Julie, que pasará a convertirse después en uno de sus temas recurrentes. El cuadro (1786), nos muestra a la pequeña Julie literalmente refugiada en ese abrazo materno. Madre e hija miran fijamente al espectador, estrechamente unidas. La madre protegiendo a la hija, haciéndose cargo de ella. Con una mirada soñadora. La niña, alerta, con los ojos muy abiertos, consciente de haber sido interrumpida por la intrusión del espectador en ese momento íntimo. El colorido es rico y lleva la vista hacia la niña, que destaca en su cándida y sencilla túnica blanca, mientras el fondo es oscuro, en tonos azules y verdes, y la sobrefalda de Vigee, dorada. Como en otros 'abrazos maternales' de la pintora, las expresividad de esas manos amorosas es llamativa y evidente. Un detalle de esas manos hablaría, por sí solo elocuentemente, del tema del doble retrato: amor y protección.

ANNA MARIA MENGS

Autorretrato al pastel de Anna Maria Mengs que custodia precisamente la Biblioteca Nacional. Anna Maria (Dresde, 1751-Madrid, 1792) pertenecía a una famosa dinastía de artistas de origen checo, los Mengs. Era hija y discípula de Anton Rafael, que fue pintor de Carlos III. Vivió en España con su marido, el grabador Manuel Antonio Carmona, y fue elegida miembro de mérito de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1790.

MARY CASSATT.Impresionista.Finales S XIX

Cassatt advertía que las obras pintadas por mujeres eran tratadas, a menudo, con desprecio, a menos que la artista tuviera un amigo o protector en el jurado, y ella se negaba a coquetear con los miembros del jurado para ganarse su favor.^[ Su cinismo creció cuando uno de los dos cuadros que presentó en 1875 fue rechazado por el jurado que, sin embargo, lo aceptó al año siguiente después de simplemente oscurecer el fondo. Cassatt discutía constantemente con Sartain, quien consideraba a Cassatt demasiado abierta y centrada en sí misma, hasta que finalmente se separaron. En esa época Cassatt decidió alejarse de la pintura de género y centrarse en temas más de moda, con el fin de atraerse los encargos de retratos de personajes de la alta sociedad estadounidense en el extranjero, pero el intento dio pocos frutos al principio

FRANCES BENJAMIN JOHNSTON

Frances Fannie Benjamin Johnston (West Virginia,1864 – 1952) fue una de las mujeres pioneras en fotografía y fotoperiodismo estadounidense. Recibió su primera cámara de George Eastman, amigo de la familia e inventor de la Eastman Kodak cámara.Su formación corrió a cargo de Thomas William Smillie, director de fotografía en el Smithsonian Instituto. Trabajó más tarde en el desarrollo y mejora de nuevo material fotosensible en la Compañía Kodak en Washington D.C, y asesorando a los clientes cuyas cámaras necesitaban reparaciones. En 1895, abrió su propio estudio retratando a personalidades contemporáneas, entre ellos Susan B. Anthony, Mark Twain y Booker T. La llamaban la "fotógrafa de la corte americana"por sus retratos de las celebridades de su tiempo: George Dewey , los hijos de Roosevelt, la casa de Edith Wharton y Natalie Barney.Llegó a ser la fotógrafa oficial de la Casa Blanca para las administraciones de Harrison, Cleveland, McKinley, Roosevelt y Taft. Su obra más famosa es su autorretrato satírico de la "nueva mujer liberada" ,modelo al que según dicen se oponía, enseñando las enaguas y jarra de cerveza en mano, sin embargo Johnston fue una constante defensora del papel de la mujer en el emergente arte de la fotografía. El "Ladies Home Journal" publicó su artículo "¿Qué puede hacer una mujer con una cámara? " y en 1897 y junto a Zaida Ben-Yusuf comisionó una exposición de fotografía en la que participaron veinte mujeres en la exposición universal de 1900, que posteriormente fue expuesta en San Petersburgo, Moscú y Washington D.C

PAULA MODERSOHN Alemana. Desnudo,1906,dedicado a su marido.

«Yo soy Yo, y espero serlo cada vez más».

Sobre Paula Modersohn-Becker (1876-1907)

MERET OPPENHEIM Alemana

Surrealista.

Autorretrato 1964.

Es una radiografía, pero conserva un toque femenino: pendientes, collar y anillos.Se burla de su propio envejecimiento.

SOLEDAD CORDOBA Avilés (Asturias) 1977

Mujeres pintoras

http://mujerespintoras.blogspot.com.es/2013/01/lista-de-pintoras-en-orden-cronologico.html

28/2/16

Balenciaga

El Programa La Obra invitada tiene como misión traer al Museo de Bellas Artes de Asturias durante un periodo de tres meses destacadas obras procedentes de coleccionistas particulares o de otras instituciones nacionales e internacionales que contribuyan a reforzar el discurso de la colección permanente, bien porque permitan profundizar en aspectos ya contemplados por la colección, bien porque permitan cubrir lagunas que en ella puedan detectarse.
La pieza escogida para el primer cuatrimestre de 2016 es Vestido de noche en crespón de seda negro y guarnición de cinta aplicada de lentejuelas, guipur y cristales facetados, creado por el diseñador Cristóbal Balenciaga en 1968 y procedente del Museo Cristóbal Balenciaga de Getaria (Guipúzcoa). Se trata del primer traje que forma parte del mencionado Programa, escogido para la ocasión por la particular relación que unió a Balenciaga con el pintor asturiano Luis Fernández (1900-1973), en cuya sala monográfica se expondrá el vestido. Ambos estuvieron unidos por una estrecha amistad y, además, el segundo coleccionó varias obras del primero. Así mismo, Balenciaga también fue amigo y/o coleccionista de otros artistas representados en el Museo, como José Caballero (1916-1991), cuya obra se expone también en la primera planta de la Ampliación.
Cristóbal Balenciaga (1895-1972) es uno de los más destacados e influyentes creadores de moda del siglo XX. Desde su infancia, tuvo la posibilidad de acceder al guardarropía de la marquesa de Casa Torres, donde absorbió conceptos sobre la elegancia y la calidad de los materiales que serán fundamentales para su carrera. Ya en sus inicios como modisto en San Sebastián se caracterizó por ser un trabajador incansable y perfeccionista, gran empresario y elegante persona. Rodeado de un círculo de personas de su entorno más próximo, trabajó con ellos en sus talleres de costura hasta el cierre de los mismos, en 1968. La apertura en 1937 del Salón de París fue su consolidación absoluta a nivel internacional, siendo entonces apreciado por Christian Dior como “el maestro de todos nosotros”. En cuanto a su concepto de elegancia se va modificando a lo largo de los años, con sutiles matices y gran coherencia, como se puede apreciar en la línea Tonneau de 1947, el semi-fit de 1952, la túnica de 1955 y el vestido saco o el vestido Baby-doll de 1958.
Balenciaga logró una de las mayores contribuciones a la moda femenina del siglo XX: la definición de una nueva silueta. Mediante innovadores cortes se diferencia del hito creado por Dior (el llamado New Look) y libera el cuerpo de la mujer a través de volúmenes sorprendentes. La importancia de un elemento invisible, que envuelve el cuerpo femenino y soporta el volumen del vestido, es apreciable en todas sus creaciones.

Vestido de noche en crespón de seda negro, perteneciente a Sonsoles de Icaza y León, marquesa de Llanzol, es una de las últimas creaciones de Cristóbal Balenciaga. Se presentó en febrero de 1968 en los salones de la Avenida Georges V de París como el modelo 173 de la colección. Posteriormente las maniquíes lo pasaron en los salones de Madrid, Barcelona y San Sebastián, pertenecientes al mismo modisto, y también en los salones de algunos exclusivos grandes almacenes estadounidenses como Bergdorf Goodman.La línea túnica envuelve con un solo paño de tejido casi la totalidad del cuerpo femenino, siguiendo los principios del minimalismo constructivo y manteniendo los mismos preceptos que el arquitecto austriaco Adolf Loos. Su máxima, “elimina lo superfluo”, que como mentor le traslada a su amigo Hubert de Givenchy, se aprecia magníficamente en este vestido. El único adorno del mismo, los tirantes-joya, ensalza la silueta femenina en su recorrido y oculta los escasos y estudiados cortes que son necesarios para la construcción de la túnica. La sobriedad del corte se enfatiza además mediante la fluidez del crespón, mientras se contrarresta con un profundo escote en la espalda, recurso muy habitual en la creaciones de Balenciaga. Esta Obra invitada del Museo del Bellas Artes de Asturias se puede considerar como un baluarte en el que se muestran las características indispensables de la obra del modisto de Getaria: minimalismo, simplicidad, comodidad y elegancia.

Vestido de noche en crespón de seda negro, 1968, de Cristóbal Balenciaga. Fotografía: Manuel Outumuro. Colección Cristóbal Balenciaga Museoa, Getaria.

BALENCIAGA y LUIS FERNÀNDEZ

Notas de la visita guiada al BBAA. Marìa Soto después de una breve biografía del modisto -empezó con su madre modista trasladándose luego a otros talleres para seguir aprendiendo-nos recordó que Berlanga fuè el creador de la moda tonel y saco. Querìa disimular los defectos. Le gustaba dejar libres el cuello y las muñecas para las joyas.
Decía que el vestido es la casa donde vive el cuerpo y ha de adaptarse a èl.
Concedìa mucha importancia a la textura de los tejidos y a los colores.
Otros modistos decían que era el único diseñador de "construir" sus diseños-creaba,cortaba,cosìa,hacìa todo.
Berlanga poseìa cuadros de Luis Fernández y como èl conseguía lo máximo a partir de lo mínimo.
El vestido expuesto es un vestido tùnica a partir de una sola pieza de tela, con las costuras ocultas. Deja al descubierto la nuca y los brazos y potencia la figura femenina a través de los tirantes-joya-guipur,lentejuelas nacaradas con motivos florales rematados con flecos de cristales. La tela negra-crêpe contrasta con el blanco de las joyas. Se adapta perfectamente a la silueta femenina.
Elegancia a través de líneas rectas,sencillez,equilibrìo y proporción.

"Rose avec une bougie"1071-73.Inacabado por la muerte de su autor, Luis Fernández.

Composición centrada.

Busca la esencialidad.

Crea un sentido ascensional con las franjas de distintos tamaños.

Luis Fernández lo llamaba "realismo plástico".

Marìa terminò la amena visita recordándonos que tanto Berlanga como Luis Fernández decían que "Menos en màs"

2/2/16

PAULINO VICENTE

Notas de la visita guiada ,con Marìa Soto,al BBAA.

Paulino Vicente nace en Oviedo en 1899, es bautizado en la iglesia de San Isidoro y su infancia trascurre por la calle Marquès de Gastañaga y El Campillìn.

"Autorretrato" 1938.

El pintor en su taller.Se ve S.Isidoro al fondo .Estudio detallado del rostro con claro oscuro en la cabeza Se fija sobre todo en el rostro y en las manos finas y delgadas de pintor. Mira al espectador Buen dibujante en sus primeros años pone a sus personajes ante un paisaje.

En 1918 obtiene su primer éxito expositivo en la Universidad de Oviedo con "Cabeza de Manolo" y "Puerta de los frailes"

Obtiene una beca de la Diputación para ir a estudiar a Madrid. Es un retratista de desarrapados, de gente de la calle. Paisaje alejado, diluìdo que da un carácter sombrìo al personaje. Expresividad del rostro con distintos toques de color rojo. "El tonto de mi lugar" es de esta época.

Interrumpe su estancia en la capital para hacer el servicio militar en Marruecos.

De 1925 es su obra "De Andecha"

Con ella logra una Mención Honorìfica y una bolsa de viaje.Regionalista con tres personajes monumentales que resumen la sociedad de su tiempo: el hombre de edad avanzada, la mujer con rostro avejentado y el niño,Perico,Elvira y Fermín.El paisaje es Cortina donde poseìa una casa.Cielos grises que recuerdad a Zuloaga a quien admiraba.

Reside en Madrid con su primera mujer,Isabel Serrano, y hace pequeñas obras